Oscar Bony - Restrospectiva en el MALBA

No se pierdan esta restrospectiva de uno de los pocos que se pueden considerar "artistas" en el termino cabal de la palabra. El arte tiene ke ser un medio de representacion de la realidad, no importa kual herramienta artistica se utiliza para llevarla a cabo, pintura, fotografia, videoinstalaciones, todo vale y mas cuando se las utiliza con magistralidad en pos de un objetivo.
Salud Oscar.


Por Loreley Gaffoglio

“Mis obras están hechas para descargar un punto de reflexión, que es donde yo creo que se sitúa el arte”, solía decir el misionero Oscar Bony (1941-2002), uno de los precursores del arte conceptual en el país, cuya perturbadora producción en variedad de soportes—óleos, objetos, instalaciones, fotografías, registros de sus performances, cortos en 16 mn e imágenes baleadas y autorretratos– enhebra su insistente exploración entre el difuso límite de la realidad y la ficción.
A ese universo complejo que en 60 obras interrogan la dimensión dialéctica de la imagen, los juegos de la percepción, el no estilo, la violencia y la ética– una producción incómoda por momentos, desconcertante por otros–, está dedicada la primera y suculenta retrospectiva del artista, Oscar Bony, El Mago , curada por Marcelo Pacheco, que inaugura mañana el Malba.
Lo de suculenta no es un adjetivo gratuito. La muestra, acompañada por documentación que muestra su obra desaparecida o inhallable y por un grueso libro catálogo con varios ensayos inéditos, investigaciones especialmente encargadas a especialistas como Andrea Giunta, Fabián García, el propio Pacheco y el crítico italiano Giacinto Pietrantonio, marca una nueva referencia bibliográfica en la historia del arte contemporáneo argentino. Y acerca nuevas lecturas sobre una producción sustantiva que creyó en el arte como una herramienta capaz de transformar el mundo.
De origen humilde, nacido en Posadas, formado en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano, y moldeado en los talleres de Juan Carlos Castagnino y Antonio Berni, para Bony el arte fue una materia de exploración permanente. Una especie de interrogante infinito que, como sucede con la piel de la cebolla, va develando nuevas caras y disparando significados en múltiples direcciones.
Su irrupción plástica se inscribió con óleo en el lenguaje de la nueva figuración pero rápidamente, en 1966, realizó cortos experimentales en 16 mn que constituyen la génesis del videoarte en la argentina. Tres de ellos, “El paseo”, “El Maquillaje” y “Submarino Amarillo”, centrados en la problemática temporal, inauguran la muestra junto a otras tres obras sustantivas que dan cuenta del la mutación del objeto en instalación.
La primera es la paradoja perceptual “Sinusoide”, premio Ver y Estimar. Se trata de cuatro fragmentos ondulantes de madera policromada que dispuestos en hilera como si fueran uno sólo simulan el esqueleto de una serpiente que esconde su anatomía en la tierra. En palabras de Andrea Giunta, la pieza cuestiona lo límites de la obra y su relación con el espacio. Y Bony vuelve a confundir la percepción en la videoinstalación “60 metros cuadrados y su información”. Allí contrapone una alfombra de alambre tejido en el piso, que el público puede pisar, mientras observa en la pared la proyección de esa misma malla metálica. De tres maneras diversas se revelan los objetos, dice Bony: sintiéndolos debajo de los pies, viéndolos en la pared, o tocando directamente el alambre.
También en una sucesión de bocetos se recrea la instalación “Local y su descripción”, en la cual Bony colocó un grabador en medio de la galería Arte Nuevo, de su maestro Castagnino, que describía pormenorizadamente en un audio el espacio que el público veía. La tríada de obras indaga sobre cómo se nos revela la realidad que nos circunda, explica Pacheco durante el recorrido por la muestra con LA NACION.
Unos pasos más allá, se yergue su obra emblemática: El registro fotográfico, presentado en Experiencias ´68 del Instituto Di Tella, de la performance “La familia obrera”: la exhibición durante 10 días de un matricero y su familia entronizados sobre una tarima dentro del Di Tella.
“La obra escandalizó y fue cuestionada en su ética por todos los sectores”, señala Pacheco, al explicar que fue el propio Bony el que le pagó a la familia un jornal diario para que se exhibiera como obra viva. “La ironía ”, agrega el curador, radicaba en que el dinero provenía de la Fundación Rockefeller y mostraba cómo una familia de clase obrera, por dinero, puede hacer otro trabajo”, incluso arte.
Ese mismo año, la censura al baño de Roberto Plate y la destrucción de las obras, como gesto de rechazo, por parte de los artistas del Di Tella empujaron a Bony a un ostracismo del arte que se extendió durante siete años.
Su reinserción en el campo artístico en los 70 fue a partir de otras paradojas visuales: óleos de cielos oníricos con nubes que simulaban ser fotografías y fotografías de objetos y personas que aparentaban ser pinturas.
De sus once años de residencia en Milán, donde Bony indagó en el arte objetual, el minimalismo, el hiperrealismo, el conceptualismo y la transvanguardia se exhiben imágenes de sus obras, la mayoría objetos, hoy en colecciones privadas europeas.
Pero es a su regreso al país a finales de los 80 cuando sacude la escena artística con su heterogéneo alegato: “La traición del estilo”. Con mezclas de materiales bien disímiles, uso intensivo de la fotografía entrelazada con objetos, Bony cimenta instalaciones que juegan con las líneas temporales y los recuerdos.
Su estética más emblemática se corresponde con sus cuadros baleados, rajados o astillados de los 90 que, según apunta Pacheco, nacen como tributo a los tajos de Fontana. En sus comienzos, son simples marcos con vidrios perforados por balas pero sin imágenes. Su propia fisonomía en la que simula el suicidio, arremetiendo contra su propia imagen con una 9 mm, se suma después, junto a los homenajes a Magritte y a series famosas como “Fusilamientos”, y el “Triunfo de la muerte”.
Un capítulo aparte lo constituyen su fotografías de músicos de rock y el diseño de las tapas de los LP en las que el artista inmortalizó a grupos legendarios como Almendra, Los Gatos, Manal, y Arco Iris.